Ladytron: La memoria como organismo vivo

Hay bandas que no necesitan reaparecer para seguir habitando en la memoria, porque simplemente están ahí, como una frecuencia que no se apaga. Ladytron pertenece a esa categoría. Su música, siempre en tensión entre lo mecánico y lo emocional, ha sabido construir un lenguaje propio, uno donde la nostalgia no es un refugio, sino un punto de partida.

En Chile, esa conexión ha sido silenciosa pero persistente. Desde los primeros correos que recibían desde este lado del mundo, hasta su visita en 2011, el vínculo con el público local se fue tejiendo casi de forma intuitiva. Quizás por eso, cuando hablan de nuestro querido pueblo chileno, no lo hacen desde la distancia, sino desde una experiencia vivida.

Hoy, ese lazo vuelve a tensionarse con un nuevo álbum que, más que un regreso, se siente como una reconfiguración. Grabado entre Liverpool, São Paulo y Londres, "Paradises" no solo desplaza físicamente a la banda, sino que también expande su universo sonoro. Hay en él una búsqueda consciente por dejar atrás lo conocido: escribir desde cero, habitar nuevas atmósferas, permitir que los espacios, y por consecuencia sus cargas simbólicas, se filtren en la música.

Conversamos esta vez con Ladytron, pero avanzamos hacia la reflexión de este nuevo proceso, la firme idea de un disco como organismo vivo, la importancia de la distancia para reencontrarse, y la manera en que lo visual comienza a ocupar un lugar cada vez más central en su obra. Porque si algo queda claro, es que este nuevo capítulo no se trata solo de canciones, sino de una forma distinta de entender el acto creativo: más libre, más intuitivo, y, sobre todo, más humano.

- ¿Qué recuerdos tienes de aquí? Chile tiene muchos lugares distintos, ¿dónde has estado?
- Siempre hemos tenido una relación bastante cercana con Chile; de hecho, cuando empezamos, muchos de los primeros correos y mensajes que recibíamos venían de Chile y otros lugares de Sudamérica. Finalmente tocamos allá en 2011 y actualmente hay conversaciones para volver, así que espero que suceda. He visitado el país varias veces como turista. He estado en Santiago un par de veces y trabajé como DJ allí una o dos veces. También estuve en Valparaíso. Recuerdo haber ido a un lugar que era como una antigua estación ballenera y donde estaba la casa de Pablo Neruda, frente al mar. Nunca puedo recordar el nombre exacto cuando sale en una conversación, pero visitamos la casa de Neruda y fue increíble.

- Felicitaciones por este nuevo álbum. Fue grabado en Liverpool, São Paulo y Londres. ¿Por qué decidieron grabarlo en tantos lugares?
- Liverpool siempre será el hogar de la banda, pero hace tiempo que no vivimos todos allí al mismo tiempo. Yo vivo en São Paulo ahora, así que mucho del trabajo se hizo en mi estudio aquí. También grabamos en Montrose, donde vive Helen, y en dos estudios en Londres. La fase final fue en Dean Street Studios en Soho, un lugar histórico que fue el estudio de Tony Visconti, el productor de David Bowie en los 70. Se grabaron discos grandes ahí, como Scary Monsters de Bowie; fue una fase final caótica pero poética en Londres.

- ¿Grabar en lugares diferentes te inspiró a hacer algo distinto o a tocar otros instrumentos?
- Creo firmemente en los elementos metafísicos; la percepción de la música cambia según la ubicación. Cuando introduces una atmósfera o ubicación diferente, eso se convierte en sonido de alguna manera, aunque sea subconsciente. Además, cada lugar tiene equipos distintos que te invitan a experimentar y divertirte de forma diferente.

- Sobre el concepto principal del nuevo álbum: ¿Sientes que experimentaron o se relacionaron con un concepto específico? Decidieron hacer un disco de 16 canciones, es enorme.
- Fue la primera vez que escribimos un álbum completamente desde cero, sin usar canciones viejas. Por eso tiene una frescura especial. No lo llamamos "álbum doble" para no confundir, pero en la práctica lo es por su duración. Es un disco muy holístico, con una red de simetrías donde las ideas líricas o sonidos se repiten de forma subliminal. La canción 'A Death in London' es el alma del álbum; una vez que tuvimos esa pieza, todo lo demás se formó a su alrededor de forma instintiva.

- Cuando vi el videoclip de 'A Death in London', me recordó a la simetría y la estética del álbum. ¿Por qué eligieron grabarlo en blanco y negro?
- La identidad visual de este disco está muy entrelazada con la música. Trabajamos con Sam Smith, quien creó una estética nueva con íconos y símbolos. Fue la primera vez que dirigí solo. Mi pareja sugirió que 'Death in London' fuera en blanco y negro. Al final, me gustó que el color aparece de forma primitiva en el cierre, como en "El Mago de Oz".

- No sabía que era tu primera vez dirigiendo. ¿Cómo fue la experiencia?
- Fue emocionante. Hace 20 años, el director Chris Cunningham me dijo que yo mismo debería hacer mis videos. Esta vez fue diferente porque teníamos un equipo completo, coreografía y un set real. Disfruté mucho la experiencia y quiero hacer más cosas relacionadas con el cine.

- ¿Crees que el descanso que tuvo la banda cambió su relación entre ustedes?
- No realmente. Lo que sí es cierto es que volver fue difícil porque pasó mucho tiempo y cada uno estaba haciendo cosas distintas. Tuvimos que volver a aprender a hacer las cosas juntos, no fue tan simple como la "memoria muscular". El álbum anterior fue una pesadilla porque se hizo durante la pandemia. Por eso, este álbum tenía que ser divertido de hacer. Ahora nos sentimos más cercanos que nunca y felices de hacer esto; a veces necesitas distancia para darte cuenta de que este es el mejor trabajo del mundo.

Karin Ramírez Raunigg